10 secretos detrás de las películas

El cine está lleno de trucos que el espectador no ve: dinosaurios mecánicos, sangre de chocolate, rugidos hechos con mezclas de animales, nieve de papel y actores que dan vida a personajes digitales.

Estos diez datos cuentan cómo se hicieron algunas escenas y personajes famosos, qué técnicas se usaron y cómo han cambiado los efectos especiales y la industria del cine.

DATO 10La mayoría de efectos de “Jurassic Park” eran animatrónicos

En Jurassic Park, estrenada en 1993 y dirigida por Steven Spielberg, los dinosaurios aparecen en pantalla solo unos 15 minutos en total, de una película de más de dos horas. Y la mayoría de esas escenas se hicieron con animatrónicos, robots mecánicos de tamaño real controlados a distancia, creados por el equipo del artista de efectos especiales Stan Winston. Los dinosaurios hechos por ordenador suman solo unos 4 o 6 minutos de la película, según distintas fuentes, aunque fueron los que más impresionaron al público.

El animatrónico más famoso era el Tyrannosaurus rex, un robot de unos 6 metros de altura, 12 metros de largo y unas 4 toneladas de peso, montado sobre una plataforma hidráulica que le permitía moverse con rapidez y fuerza, como un simulador de vuelo. Se usó, por ejemplo, en la famosa escena del ataque al coche bajo la lluvia. Hubo un problema: la piel del T. rex era de látex, y cuando se mojaba con la lluvia artificial de la escena, absorbía el agua, pesaba más y el robot empezaba a temblar y a moverse de forma descontrolada. El equipo tuvo que secarlo con secadores entre toma y toma. Los velocirraptores también se crearon en parte con animatrónicos y con actores con trajes. Los creadores de los dinosaurios consultaron con paleontólogos, como Jack Horner, para hacerlos lo más realistas posible según los conocimientos de la época.

Al principio, Spielberg había previsto usar animatrónicos y una técnica de animación tradicional llamada stop-motion, en la que se mueven maquetas fotograma a fotograma, con el artista Phil Tippett. Pero el equipo de efectos visuales de la empresa Industrial Light & Magic (ILM), fundada por George Lucas, entre ellos los animadores Steve Williams y Mark Dippé, crearon por su cuenta una prueba de un esqueleto de T. rex corriendo generado por ordenador. Spielberg quedó tan impresionado que decidió usar la animación por ordenador para las escenas de cuerpo entero y en movimiento, como la estampida de galimimos o el T. rex persiguiendo el todoterreno. Se cuenta que, al verlo, Phil Tippett dijo: “Creo que me acabo de extinguir”, una frase que se usó en la película. Pero Tippett no se quedó sin trabajo: supervisó la animación por ordenador, aportando su conocimiento del movimiento de los animales, y los animadores usaron un dispositivo que él ayudó a crear para trasladar los movimientos de maquetas al ordenador.

Jurassic Park fue un hito en la historia de los efectos especiales. Demostró que la animación por ordenador podía crear criaturas realistas y vivas, integradas con actores reales. Recaudó más de 900 millones de dólares en su estreno, la película más taquillera de la historia hasta entonces, y ganó tres Óscar, incluido el de mejores efectos visuales. Abrió el camino a películas como Toy Story o El señor de los anillos.

Muchos cineastas y aficionados consideran que la combinación de animatrónicos y efectos digitales es una de las razones por las que los efectos de Jurassic Park siguen siendo convincentes más de 30 años después: los animatrónicos daban a los actores algo real con lo que interactuar, y tenían peso y textura reales, y los efectos digitales se usaron solo cuando era necesario. En cambio, algunas películas posteriores que usan casi solo efectos digitales han envejecido peor.

Además, la película cambió la imagen pública de los dinosaurios. Siguiendo las ideas de algunos paleontólogos de la época, los mostró como animales activos, rápidos e inteligentes, emparentados con las aves, y no como reptiles lentos. Aunque hoy sabemos que muchos dinosaurios, como los velocirraptores, tenían plumas, y que los velocirraptores reales eran del tamaño de un pavo; los de la película se basaron más bien en el Deinonychus, más grande. La película también popularizó la idea de clonar dinosaurios a partir del ADN conservado en mosquitos atrapados en ámbar, algo que los científicos consideran imposible, porque el ADN se degrada en mucho menos tiempo.

Por qué importa. Jurassic Park mezcló robots y ordenadores para crear dinosaurios creíbles, y marcó el inicio de una nueva era de efectos especiales en el cine.

DATO 9El sonido del T-Rex mezcla varios animales

El rugido del Tyrannosaurus rex en Jurassic Park es uno de los sonidos más famosos del cine. Lo creó el diseñador de sonido Gary Rydstrom, de la empresa Skywalker Sound, que ganó dos Óscar por el sonido de la película. Según contó el propio Rydstrom en entrevistas, el rugido mezcla sonidos de varios animales: el sonido principal es el de una cría de elefante, grabado en un parque de animales, combinado con el de un tigre, un caimán y otros animales. El resultado es un sonido que suena como un animal real, pero que no se parece a ninguno conocido. Además, Rydstrom ralentizó y modificó algunos sonidos para hacerlos más graves y potentes.

Para otros dinosaurios de la película, Rydstrom usó sonidos igual de sorprendentes. Los velocirraptores tienen sonidos creados con tortugas apareándose, delfines, morsas, gansos y caballos. El sonido de la respiración del T. rex se hizo con la de una ballena. Los braquiosaurios tienen sonidos de burros y ballenas, entre otros. Y el dilofosaurio, el dinosaurio que escupe veneno, tiene sonidos de cisnes, aullidos de monos y serpientes de cascabel. Rydstrom contó que incluso grabó a su propio perro jugando con una cuerda para la escena en la que el T. rex sacude una presa.

¿Cómo sonaban realmente los dinosaurios? No se sabe con certeza, porque los sonidos no se fosilizan. Pero los paleontólogos pueden hacer algunas hipótesis a partir de los fósiles y de sus parientes vivos. Los parientes más cercanos de los dinosaurios que viven hoy son las aves, que descienden de los dinosaurios terópodos, como el T. rex, y los cocodrilos, que son sus primos. Por eso, algunos científicos creen que muchos dinosaurios no rugían como los leones o los tigres, sino que emitían sonidos con la boca cerrada, como los que hacen algunas aves, como las palomas, los avestruces y los emús, o los cocodrilos, que producen sonidos graves y resonantes. En 2016, un estudio del paleontólogo Tobias Riede y sus colegas, publicado en la revista Evolution, propuso que muchos dinosaurios probablemente producían estos sonidos de “boca cerrada”, como un zumbido o un retumbo grave, llamado closed-mouth vocalization. Y un dinosaurio grande podía producir sonidos de baja frecuencia, o incluso infrasonidos, que los humanos no podemos oír pero que se sienten como vibraciones, que viajan lejos y sirven para comunicarse a larga distancia, como hacen los elefantes.

Además, algunos dinosaurios tenían estructuras especiales que podían servir para producir sonidos. El parasaurolophus, un dinosaurio herbívoro con pico de pato, tenía una larga cresta hueca en la cabeza, conectada con las fosas nasales, que funcionaba como una trompa. En los años 90, científicos del Laboratorio Nacional de Sandia, en Estados Unidos, reconstruyeron la cresta con escáneres y simularon su sonido por ordenador: un sonido grave, como el de una tuba. En 2023, un estudio de un fósil de anquilosaurio, publicado en Communications Biology, encontró una laringe fosilizada que sugiere que algunos dinosaurios podían producir sonidos parecidos a los de las aves.

El diseño de sonido en el cine consiste a menudo en inventar sonidos creíbles para cosas que no existen o que no suenan como el público espera. Como vimos en otro artículo, el diseñador Ben Burtt creó los sonidos de Star Wars combinando sonidos de animales y objetos cotidianos. Otro ejemplo es el grito del Godzilla original, de 1954, que se creó frotando un guante de piel impregnado con resina contra las cuerdas de un contrabajo y ralentizando el sonido.

Los diseñadores de sonido suelen buscar sonidos que provoquen una reacción emocional, como el miedo o la sorpresa, en el público, más que la exactitud científica. Por eso el rugido del T. rex de Jurassic Park, aunque probablemente no se parece al sonido real del dinosaurio, se ha convertido en la idea que mucha gente tiene de cómo sonaba.

Por qué importa. El rugido del T. rex es una mezcla de animales reales, y muestra que el diseño de sonido en el cine busca emocionar más que reproducir la realidad.

DATO 8En “Psicosis” la sangre era chocolate

Para rodar la famosa escena de la ducha de Psicosis, estrenada en 1960, el director Alfred Hitchcock usó jarabe de chocolate de la marca Bosco como sangre. Como la película se rodó en blanco y negro, el color no importaba, y el jarabe de chocolate tenía la densidad y la textura adecuadas para parecer sangre al mezclarse con el agua de la ducha y caer por el desagüe. La sangre artificial de la época, en cambio, no daba un efecto tan realista en blanco y negro.

La escena de la ducha es una de las más famosas y estudiadas de la historia del cine. En ella, la protagonista, Marion Crane, interpretada por la actriz Janet Leigh, es asesinada a puñaladas mientras se ducha en el motel Bates. La escena dura unos 3 minutos, pero se tardó una semana en rodar, del 17 al 23 de diciembre de 1959, y contiene unos 78 planos de cámara y 52 cortes de montaje, según los análisis más citados. Lo sorprendente es que, gracias al montaje rápido, el público tiene la sensación de ver el cuchillo clavándose en el cuerpo, pero en realidad, el cuchillo nunca aparece tocando el cuerpo de la actriz: todo es sugerido por la sucesión de planos cortos, el sonido y la música. Para el sonido de las puñaladas, el técnico de sonido apuñaló melones, según algunas versiones varios tipos, para elegir el sonido más convincente. En algunos planos se usó una doble de cuerpo, la modelo Marli Renfro.

La música de la escena, compuesta por Bernard Herrmann, es también muy famosa: unos violines agudos y chirriantes, que imitan chillidos, tocados con golpes cortos de arco. Al principio, Hitchcock quería que la escena no tuviera música, pero Herrmann compuso la pieza de todas formas, y cuando Hitchcock la escuchó, cambió de opinión. Más tarde reconoció que un tercio del efecto de la película se debía a la música.

Psicosis rompió muchas normas del cine de la época. Fue muy sorprendente que la protagonista, interpretada por una estrella conocida, muriera a los 47 minutos, en la primera mitad de la película, algo que el público no esperaba. Hitchcock hizo todo lo posible para mantener en secreto la trama: compró todos los ejemplares que pudo de la novela en la que se basaba, de Robert Bloch, para que el público no conociera el final, y pidió a los cines que no dejaran entrar a nadie una vez empezada la película, algo muy poco habitual entonces, cuando la gente entraba y salía de las salas en cualquier momento. Además, fue la primera película de Hollywood en mostrar un inodoro en pantalla con la cisterna funcionando, algo considerado de mal gusto en la época.

Hitchcock financió la película con su propio dinero, porque el estudio Paramount no quería producirla por considerarla demasiado violenta y de mal gusto. La rodó con un presupuesto bajo, de unos 800.000 dólares, y con el equipo de su serie de televisión, Alfred Hitchcock presenta. Fue un enorme éxito: recaudó más de 30 millones de dólares en su estreno, y se convirtió en una de las películas más influyentes de la historia del cine de terror y de suspense, precursora del género de los asesinos en serie o slasher.

Se cuenta que, tras el estreno, algunas personas, incluida la propia Janet Leigh, dejaron de ducharse y pasaron a bañarse. Leigh contó en entrevistas que evitaba las duchas y que, cuando no tenía más remedio, dejaba la cortina abierta.

El uso de alimentos como sangre falsa ha sido habitual en el cine. Hoy, la sangre artificial se fabrica con sustancias como jarabe de maíz, colorantes alimentarios y otros productos, que se pueden ajustar para distintos efectos, como sangre fresca o seca, y para que sea segura si se mete en la boca de los actores.

Por qué importa. La sangre de chocolate de Psicosis muestra cómo el cine usa trucos sencillos, junto con el montaje y la música, para crear escenas que marcan la historia.

DATO 7El primer Óscar se entregó en 1929

La primera ceremonia de los Premios Óscar, oficialmente llamados Premios de la Academia, se celebró el 16 de mayo de 1929 en el Hotel Roosevelt de Hollywood, en Los Ángeles. Fue una cena privada con unos 270 invitados, que pagaron 5 dólares por la entrada. La ceremonia duró solo unos 15 minutos, y se entregaron 15 estatuillas. Lo más sorprendente es que los ganadores se conocían de antemano: se habían anunciado tres meses antes, en febrero, en la prensa. No había suspense.

Los premios los creó la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (AMPAS), fundada en 1927 por el productor Louis B. Mayer, jefe del estudio MGM, y otras personas de la industria del cine. Según algunos historiadores, uno de los objetivos de Mayer al crear la Academia era mediar en los conflictos laborales y evitar la formación de sindicatos de actores y técnicos. Los premios de la primera ceremonia reconocían las películas estrenadas entre 1927 y 1928. El premio a la mejor película lo ganó Alas (Wings), una película muda sobre pilotos de la Primera Guerra Mundial, y el primer premio al mejor actor lo recibió el actor alemán Emil Jannings, que no pudo asistir a la ceremonia porque había vuelto a Alemania, y recibió la estatuilla antes, por lo que se convirtió en la primera persona en recibir un Óscar. Curiosamente, según una historia, el perro actor Rin Tin Tin fue el que más votos recibió como mejor actor, pero la Academia decidió dárselo a un humano; los historiadores consideran que esta historia es probablemente un mito.

La estatuilla del Óscar representa a un caballero de estilo art déco que sostiene una espada y está de pie sobre un rollo de película con cinco radios, que representan las cinco ramas originales de la Academia: actores, directores, productores, técnicos y guionistas. La diseñó el director artístico de MGM, Cedric Gibbons, y la esculpió George Stanley. Mide unos 34 centímetros y pesa unos 3,8 kilos. Está hecha de bronce bañado en oro de 24 quilates. Durante la Segunda Guerra Mundial, por la escasez de metales, las estatuillas se fabricaron de yeso pintado, que después se cambiaron por las de metal.

El origen del nombre “Óscar” no está claro. La historia más famosa dice que la bibliotecaria de la Academia, Margaret Herrick, dijo al ver la estatuilla que se parecía a su tío Oscar. Otras versiones atribuyen el nombre a la actriz Bette Davis, que dijo que se parecía a su marido, Harmon Oscar Nelson, o al periodista Sidney Skolsky. La Academia adoptó oficialmente el nombre en 1939.

Para evitar que los resultados se filtraran, a partir de 1941 se empezaron a usar sobres sellados, y los ganadores se anunciaban durante la ceremonia. La auditoría de los votos la hace desde 1934 la empresa PricewaterhouseCoopers (PwC). Aun así, ha habido errores famosos: en 2017, los presentadores Warren Beatty y Faye Dunaway anunciaron por error que la película La La Land había ganado el Óscar a la mejor película, porque les habían dado el sobre equivocado, cuando la ganadora era Moonlight. El equipo de La La Land ya estaba en el escenario dando su discurso cuando se corrigió el error.

Hoy, los Óscar se entregan en unas 24 categorías, y la ceremonia dura más de 3 horas, y se retransmite por televisión a más de 200 países. La primera ceremonia retransmitida por radio fue en 1930, y por televisión, en 1953. La Academia tiene más de 10.000 miembros que votan. En los últimos años, la Academia ha hecho cambios para aumentar la diversidad de sus miembros y de las películas premiadas, tras las críticas de la campaña #OscarsSoWhite de 2015 y 2016, que denunciaba la falta de nominados no blancos. Desde 2024, las películas deben cumplir ciertos criterios de inclusión para optar al premio a la mejor película.

Algunos récords: Walt Disney es la persona que más Óscar ha ganado, 22 competitivos y otros honoríficos. Las películas con más Óscar, con 11, son Ben-Hur (1959), Titanic (1997) y El señor de los anillos: El retorno del rey (2003). Y Katharine Hepburn es la persona que más Óscar ha ganado como intérprete, con 4.

Por qué importa. Los primeros Óscar fueron una breve cena sin sorpresas, y su evolución refleja los cambios de la industria del cine y los debates sobre la diversidad.

DATO 6“Parásitos” fue la primera película no inglesa en ganar el Óscar a mejor película

En febrero de 2020, la película surcoreana Parásitos (Gisaengchung), dirigida por Bong Joon-ho, hizo historia al convertirse en la primera película en un idioma distinto del inglés en ganar el Óscar a la mejor película, en los más de 90 años de historia de los premios. Además, ganó otros tres Óscar: mejor director, mejor guion original y mejor película internacional. Antes, había ganado la Palma de Oro del Festival de Cannes en 2019, la primera para una película de Corea del Sur.

Parásitos cuenta la historia de la familia Kim, una familia pobre que vive en un semisótano de Seúl, y que, mediante engaños, consigue trabajo, uno a uno, en la casa de la familia Park, una familia rica, haciéndose pasar por profesionales cualificados sin relación entre sí. La película mezcla la comedia, el suspense, el drama y el terror, y es una crítica a la desigualdad social y a las diferencias de clase. Uno de sus símbolos más potentes son los espacios: los ricos viven arriba, en una casa luminosa diseñada por un arquitecto, y los pobres, abajo, en semisótanos que se inundan con la lluvia. Tras el éxito de la película, el gobierno de Seúl anunció ayudas para mejorar las viviendas en semisótanos, y en 2022, tras unas inundaciones en las que murieron varias personas atrapadas en semisótanos, anunció un plan para eliminarlos como viviendas.

El éxito de Parásitos fue muy simbólico. Durante décadas, el cine en otros idiomas solo podía optar, en la práctica, al Óscar a la mejor película de habla no inglesa, que desde 2020 se llama mejor película internacional. Algunas películas en otros idiomas habían sido nominadas a la mejor película, como La gran ilusión (1937), Z (1969), La vida es bella (1997), Tigre y dragón (2000), Amor (2012) o Roma (2018), del mexicano Alfonso Cuarón, pero ninguna había ganado. En su discurso en los Globos de Oro de 2020, Bong Joon-ho dijo una frase que se hizo famosa: “Una vez que superas la barrera de una pulgada de los subtítulos, descubrirás muchas más películas increíbles”.

El triunfo de Parásitos formó parte de la llamada “ola coreana” o hallyu, el enorme éxito internacional de la cultura de Corea del Sur en los últimos años, que incluye la música K-pop, con grupos como BTS o Blackpink, las series de televisión, los k-dramas, como El juego del calamar (2021), la serie más vista de la historia de Netflix, la gastronomía y la cosmética. El gobierno surcoreano apoyó activamente la industria cultural desde los años 90, como una forma de “poder blando”.

Desde entonces, otras películas en idiomas distintos del inglés han tenido gran éxito en los Óscar. En 2023, la película alemana Sin novedad en el frente ganó cuatro Óscar, y la película Todo a la vez en todas partes, parcialmente en chino, ganó el de mejor película, y su protagonista, la malasia Michelle Yeoh, se convirtió en la primera mujer asiática en ganar el Óscar a la mejor actriz. En 2024, la película francesa Anatomía de una caída ganó el Óscar al mejor guion original. En 2025, la película francesa Emilia Pérez, rodada en español, recibió 13 nominaciones, y la brasileña Aún estoy aquí ganó el de mejor película internacional.

En la historia del cine español, las películas que han ganado el Óscar a la mejor película de habla no inglesa son Volver a empezar (1982), de José Luis Garci, Belle Époque (1992), de Fernando Trueba, Todo sobre mi madre (1999), de Pedro Almodóvar, y Mar adentro (2004), de Alejandro Amenábar. Almodóvar también ganó el Óscar al mejor guion original por Hable con ella (2002). Y Penélope Cruz y Javier Bardem han ganado Óscar como intérpretes.

Bong Joon-ho, nacido en 1969, es conocido por películas como Crónica de un asesino en serie (2003), The Host (2006), Snowpiercer (2013) y Okja (2017), y en 2025 estrenó Mickey 17.

Por qué importa. El éxito de Parásitos rompió una barrera histórica en los Óscar y mostró que el público puede disfrutar de grandes películas en cualquier idioma.

DATO 5El traje de Darth Vader tenía un actor y otra voz

En la saga de Star Wars, el famoso villano Darth Vader fue interpretado en realidad por varias personas. En las películas de la trilogía original, estrenadas entre 1977 y 1983, el culturista y actor británico David Prowse, de 1,98 metros de altura, vestía el traje de Darth Vader y realizaba sus movimientos en el rodaje. Pero la voz de Darth Vader, grave y profunda, la puso el actor estadounidense James Earl Jones. Y en las escenas de lucha con espadas láser, a menudo lo sustituía el especialista y maestro de esgrima Bob Anderson, campeón olímpico de esgrima británico.

El director George Lucas eligió a Prowse por su altura y su físico imponente, pero decidió que su voz, con un marcado acento de la región del oeste de Inglaterra, no encajaba con el personaje: durante el rodaje, algunos compañeros de reparto bromeaban llamándolo “Darth Farmer”, “Darth Granjero”, por su acento. Así que se buscó a otro actor para la voz. Lucas pensó primero en el actor Orson Welles, pero finalmente eligió a James Earl Jones, un actor de teatro con una voz muy grave y poderosa. Jones grabó sus diálogos en solo unas dos horas y media para la primera película, y cobró unos 7.000 dólares. Al principio, pidió no aparecer en los créditos, porque consideraba que su trabajo era solo “efectos especiales”, y no apareció acreditado hasta El retorno del Jedi, en 1983.

La respiración característica de Darth Vader la creó el diseñador de sonido Ben Burtt grabando su propia respiración a través de un regulador de buceo, como vimos en otro artículo.

En El retorno del Jedi, cuando Darth Vader se quita el casco en la escena final, la cara del personaje fue interpretada por un tercer actor, Sebastian Shaw, un actor británico de 78 años. Prowse se sintió molesto porque no se le permitió mostrar su cara. Además, Prowse tuvo conflictos con Lucas y la productora Lucasfilm, y se le prohibió asistir a las convenciones oficiales de Star Wars. Se cuenta, entre otras cosas, que había revelado a la prensa que Darth Vader moría en El retorno del Jedi, aunque él lo negaba. Prowse fue también conocido en el Reino Unido por un personaje de una campaña de seguridad vial para niños, el “Green Cross Code Man”, en los años 70. Murió en 2020.

James Earl Jones siguió poniendo la voz a Darth Vader en otras películas y series de la saga, como Rogue One (2016) y la serie Obi-Wan Kenobi (2022). Jones fue también conocido por otros papeles, como la voz de Mufasa en El rey león (1994 y 2019), y por su voz, famosa en anuncios y documentales. Fue una de las pocas personas en ganar un Emmy, un Grammy y un Tony. Curiosamente, de niño sufrió un fuerte tartamudeo, que superó gracias a un profesor que le animó a leer poesía en voz alta. En 2022, a los 91 años, Jones cedió los derechos de su voz a Lucasfilm, para que se pudiera recrear con inteligencia artificial, mediante una tecnología de la empresa ucraniana Respeecher, que se usó en la serie Obi-Wan Kenobi. Jones murió en septiembre de 2024.

El caso de Darth Vader muestra cómo un personaje de cine puede ser el resultado del trabajo de muchas personas: los actores, los especialistas, los diseñadores de vestuario, como John Mollo, que diseñó el traje inspirándose en cascos samuráis y en uniformes nazis, el artista Ralph McQuarrie, que creó los primeros diseños del personaje, y los técnicos de sonido. En la precuela, La venganza de los Sith (2005), el joven Anakin Skywalker, que se convierte en Darth Vader, fue interpretado por Hayden Christensen.

El uso de la inteligencia artificial para recrear voces de actores plantea hoy debates éticos y laborales. En 2023, los actores de Hollywood, a través de su sindicato SAG-AFTRA, hicieron una huelga de varios meses en la que uno de los temas principales era la protección frente al uso de la IA para replicar sus voces e imágenes sin su permiso.

Por qué importa. Darth Vader fue el resultado del trabajo de varias personas, y su voz, recreada hoy con inteligencia artificial, abre debates sobre el futuro de los actores.

DATO 4El personaje de Gollum se hizo con captura de movimiento

El actor británico Andy Serkis interpretó a Gollum, la criatura obsesionada con el Anillo Único en la trilogía de El señor de los anillos, dirigida por Peter Jackson y estrenada entre 2001 y 2003, usando la técnica de captura de movimiento. En esta técnica, el actor lleva un traje ajustado con marcadores o sensores, y varias cámaras registran sus movimientos, que se transfieren a un personaje digital creado por ordenador. Así, el personaje se mueve y actúa como el actor.

Al principio, el papel de Serkis iba a ser solo la voz de Gollum, durante unas semanas de trabajo. Pero Peter Jackson quedó tan impresionado con su interpretación, con la voz gutural que creó inspirándose, según contó, en el sonido de su gato tosiendo una bola de pelo, y con su forma de moverse, que decidió que Serkis interpretara también el cuerpo y la expresión del personaje. Serkis rodaba las escenas junto a los otros actores, como Elijah Wood (Frodo) y Sean Astin (Sam), vestido con un traje ajustado, para que la interpretación fuera natural. Después, los animadores de la empresa neozelandesa Weta Digital usaban su actuación como referencia para animar a Gollum, y en algunas escenas sustituían su cuerpo por el personaje digital, “borrando” al actor de la imagen. Para las expresiones faciales, los animadores estudiaron las grabaciones de la cara de Serkis y las reprodujeron fotograma a fotograma, porque la tecnología de captura facial no estaba todavía desarrollada. A partir de Las dos torres (2002), también se usó la captura de movimiento del cuerpo en un estudio.

La interpretación de Serkis como Gollum fue revolucionaria, porque demostró que un personaje digital podía tener una actuación emocional y compleja, con matices, como su lucha interna entre Sméagol y Gollum, que se mostró en la famosa escena en la que habla consigo mismo ante un lago. Muchos críticos pidieron que Serkis fuera nominado al Óscar, pero la Academia no lo hizo, lo que abrió un debate sobre si las interpretaciones con captura de movimiento debían considerarse actuaciones completas. Serkis ha defendido que la captura de movimiento es simplemente “maquillaje digital”, y que el trabajo del actor es el mismo.

Desde entonces, la tecnología ha avanzado mucho, y se habla de captura de interpretación (performance capture), porque se registran a la vez el cuerpo, la cara, con pequeños marcadores o cámaras montadas en un casco frente a la cara del actor, los ojos y la voz, a menudo en escenarios reales. Andy Serkis se convirtió en el actor más famoso de esta técnica, interpretando a King Kong en King Kong (2005), a César, el chimpancé protagonista de la nueva trilogía de El planeta de los simios (2011 a 2017), y al líder supremo Snoke en Star Wars. En 2011, fundó en Londres su propio estudio de captura de interpretación, The Imaginarium.

Otras películas famosas con esta técnica son Avatar (2009), de James Cameron, en la que los actores interpretaban a los na’vi, unos seres azules de otro planeta, con una tecnología muy avanzada que permitía ver en tiempo real a los personajes digitales, y su secuela Avatar: el sentido del agua (2022), en la que se desarrolló una técnica para capturar movimientos bajo el agua.

La captura de movimiento se usa también mucho en los videojuegos, para que los personajes se muevan de forma realista; en el deporte, para analizar la técnica de los atletas; y en la medicina, para estudiar la forma de caminar de los pacientes y diseñar rehabilitaciones. Los primeros sistemas de captura de movimiento se usaron en los años 70 y 80 en la investigación biomecánica y militar.

Antes de la captura de movimiento, se usaba una técnica llamada rotoscopia, inventada en 1915 por el animador Max Fleischer, en la que los animadores calcaban fotograma a fotograma los movimientos de actores reales filmados. Se usó en películas clásicas de Disney, como Blancanieves y los siete enanitos (1937).

Por qué importa. Gollum demostró que un personaje digital puede tener una interpretación emocionante gracias a un actor real, y abrió el debate sobre el reconocimiento de este tipo de trabajo.

DATO 3El logo de Pixar es una lámpara

El primer cortometraje del estudio Pixar, tras separarse de Lucasfilm, fue Luxo Jr., estrenado en 1986, y dirigido por John Lasseter. Dura unos 2 minutos. Muestra a dos lámparas de escritorio, una lámpara grande, el “padre”, y una pequeña, el “hijo”, Luxo Jr., que juega con una pelota, saltando sobre ella hasta que la pelota se desinfla. La lámpara pequeña, triste, se aleja, pero enseguida vuelve a aparecer con una pelota aún más grande. Las lámparas no tienen cara ni hablan, pero transmiten emociones y personalidad solo con sus movimientos, como si fueran personas.

Lasseter se inspiró en la lámpara de su escritorio, una lámpara de la marca noruega Luxo, modelo L-1, de ahí el nombre. Según contó, la idea surgió al ver al hijo pequeño de un compañero, el animador Tom Porter, y pensar en cómo sería una lámpara bebé con las proporciones de un niño. La lámpara pequeña tiene la misma bombilla que la grande, pero el cuerpo más pequeño, igual que un bebé tiene una cabeza grande en proporción a su cuerpo.

Luxo Jr. fue muy importante en la historia de la animación. Se presentó en la conferencia de gráficos por ordenador SIGGRAPH de 1986, en Dallas, donde recibió una gran ovación. Fue el primer cortometraje de animación por ordenador nominado al Óscar al mejor cortometraje de animación, en 1987, aunque no ganó. Demostró que la animación por ordenador no servía solo para efectos técnicos, sino para contar historias con emoción, algo que muchos dudaban en esa época, porque la animación por ordenador se consideraba fría y mecánica. Lasseter aplicó a los personajes digitales los principios clásicos de la animación de Disney, donde había trabajado, como la anticipación, la exageración, o el “estirar y encoger” (squash and stretch). Además, el corto sirvió para mostrar la tecnología de sombras y luces de Pixar: las sombras de las lámparas se proyectaban de forma realista sobre la mesa y entre ellas, gracias a una técnica llamada mapas de sombras.

Tras Luxo Jr., Pixar hizo otros cortometrajes, como Tin Toy (1988), que ganó el Óscar al mejor cortometraje de animación, el primero para un corto hecho por ordenador, y que fue el germen de Toy Story (1995), el primer largometraje hecho completamente por ordenador, como vimos en otro artículo.

Desde 1995, la lámpara Luxo Jr. se convirtió en la mascota y el símbolo de Pixar. En la animación del logotipo que aparece al principio de todas las películas de Pixar, la lámpara aparece saltando sobre la letra “I” del nombre “PIXAR”, aplastándola hasta hacerla desaparecer, y luego ocupa su lugar y mira al público. En la sede de Pixar en Emeryville, California, hay una escultura gigante de la lámpara junto a la pelota.

Además, la pelota de Luxo Jr., de color amarillo con una raya azul y una estrella roja, aparece escondida como un guiño o “easter egg” en muchas películas de Pixar, como Toy Story, Buscando a Nemo, Up o Coco. Pixar es famosa por esconder este tipo de referencias en sus películas, como el código A113, el camión de Pizza Planet, o personajes que anticipan su siguiente película.

En 2011, la empresa Luxo y Pixar tuvieron un conflicto legal: Luxo demandó a Pixar porque vendía lámparas de juguete con la forma de Luxo Jr., y llegaron a un acuerdo.

Pixar se ha convertido en uno de los estudios de animación más exitosos de la historia, con películas como Buscando a Nemo, Los Increíbles, WALL-E, Up, Del revés (Inside Out) o Coco, que han ganado más de 20 Óscar. En 2006 fue comprada por Disney. John Lasseter dirigió la animación de Disney y Pixar hasta 2018, cuando dejó la empresa tras acusaciones de conductas inapropiadas en el lugar de trabajo.

Por qué importa. Luxo Jr. demostró que la animación por ordenador podía emocionar, y la pequeña lámpara saltarina se convirtió en el símbolo de uno de los estudios más influyentes del cine.

DATO 2La saga “Harry Potter” usó miles de varitas

Durante el rodaje de las ocho películas de la saga de Harry Potter, estrenadas entre 2001 y 2011, se fabricaron miles de varitas mágicas. Según el equipo de producción, cada actor que tenía una varita en la película tenía varias copias, porque las varitas se rompían o se perdían con facilidad durante el rodaje. Por ejemplo, el actor Daniel Radcliffe, que interpretaba a Harry, contó que rompió muchas varitas durante los rodajes, porque las usaba para tamborilear como si fueran baquetas de batería. Se dice que el equipo de atrezo fabricó alrededor de 3.000 varitas a lo largo de las películas, aunque las cifras varían según las fuentes.

Las varitas las diseñó el departamento de atrezo de la película, liderado por Pierre Bohanna. Se fabricaron de distintos materiales según su uso. Las varitas “héroes”, las que se usaban en los primeros planos, se tallaban en madera real, como la de la de Hagrid, o se hacían de resina con acabados muy detallados. Las varitas para las escenas de acción se fabricaban de goma o de materiales más flexibles, para que no se rompieran ni hicieran daño a los actores en las escenas de lucha. Y había varitas de resina con un núcleo de metal. Cada varita tenía un diseño único, pensado para reflejar la personalidad del personaje. Por ejemplo, la varita de Hermione, interpretada por Emma Watson, tenía un diseño delicado con enredaderas talladas; la de Voldemort, interpretado por Ralph Fiennes, tenía forma de hueso y terminaba en una especie de garra; la de Dumbledore, la Varita de Saúco, tenía nudos tallados con forma de bayas. Al principio, en la primera película, las varitas eran muy sencillas, pero a partir de la tercera, el equipo permitió que algunos actores eligieran su varita de entre varios diseños.

En los libros de J. K. Rowling, publicados entre 1997 y 2007, cada varita es única, está hecha de una madera concreta, como el acebo, el tejo o el saúco, y tiene un núcleo mágico, como una pluma de fénix, pelo de unicornio o fibra de corazón de dragón. Las varitas “eligen” a su mago, según explica el fabricante de varitas Ollivander. La varita de Harry es de acebo con pluma de fénix, de 28 centímetros.

El rodaje de Harry Potter fue una de las producciones más grandes de la historia del cine, y se realizó durante diez años en los estudios Leavesden, en las afueras de Londres. Además de las varitas, el equipo fabricó miles de objetos: se estima que el departamento de atrezo creó unas 40.000 piezas para la saga, incluidos libros, pociones, escobas, y los famosos “Cartas de Hogwarts”. Solo para la escena de la carta de Hogwarts de la primera película, se imprimieron unas 10.000 cartas.

Los decorados eran enormes y muy detallados: el Gran Comedor de Hogwarts, con su suelo de piedra real de York, el callejón Diagon, la oficina de Dumbledore o el andén 9 y 3/4. Muchos de estos decorados se conservan hoy en el Warner Bros. Studio Tour London - The Making of Harry Potter, abierto en 2012 en los estudios Leavesden, que recibe millones de visitantes. Allí se pueden ver varitas originales, vestuario, maquetas y decorados. Uno de los objetos más impresionantes es una enorme maqueta de Hogwarts, a escala 1:24, de unos 15 metros de diámetro, que se usó para las tomas aéreas del castillo, y en la que trabajaron decenas de artistas durante meses.

Hoy las varitas se venden como réplicas en tiendas de todo el mundo y son uno de los productos más populares de la saga. En los parques temáticos de Universal Studios, en Florida, Japón y California, hay varitas “interactivas” que, gracias a un sensor infrarrojo en la punta, permiten activar efectos mágicos en los escaparates.

En 2023, se anunció una serie de televisión de Harry Potter para la plataforma HBO Max, con nuevos actores, que se empezó a rodar en 2025.

Por qué importa. Las miles de varitas de Harry Potter muestran el enorme trabajo artesanal detrás de una saga de fantasía, en la que cada objeto se diseñaba para contar algo del personaje.

DATO 1La nieve de muchos rodajes es papel o almidón

La nieve que aparece en muchos rodajes de cine y televisión no es nieve real. Suele ser papel, espuma, plástico, sal o celulosa, porque la nieve real se derrite bajo el calor de los focos de iluminación, es difícil de controlar y de conseguir en el momento y lugar adecuados, y no siempre tiene el aspecto deseado en cámara. Además, rodar en lugares con nieve real es caro y complicado, y a menudo las escenas invernales se ruedan en verano o en estudios.

A lo largo de la historia del cine se han usado muchos materiales para simular la nieve. En los primeros años, se usaban materiales como el algodón, la harina, la sal, el azúcar, copos de maíz pintados de blanco o yeso. Algunos de estos materiales tenían problemas: el algodón era inflamable con los focos calientes; la sal y el yeso podían irritar los ojos y la piel. Como vimos en otro artículo, en los años 30 se usó incluso amianto, como en El mago de Oz (1939), un material muy peligroso para la salud. En ¡Qué bello es vivir! (1946), de Frank Capra, el equipo de efectos especiales, dirigido por Russell Shearman, inventó una nieve artificial nueva, hecha con espuma de un producto químico usado en los extintores de incendios, mezclada con jabón, azúcar y agua, que se lanzaba con máquinas a alta presión. Era más silenciosa que los copos de maíz tostados que se usaban antes, que hacían ruido al pisarlos, lo que obligaba a doblar los diálogos. Este invento recibió un premio técnico de la Academia de Hollywood. La película, que transcurre en Navidad, se rodó en pleno verano de 1946 en California, con temperaturas de más de 30 °C.

Hoy se usan materiales más seguros y ecológicos. Uno de los más habituales es la celulosa o papel reciclado y triturado, que es biodegradable y se puede usar en exteriores. Se lanza con máquinas que la esparcen como si fuera nieve cayendo, o se extiende por el suelo para cubrir el paisaje. También se usa espuma biodegradable, que se produce con máquinas y se usa para la nieve que cae, y que se disuelve en poco tiempo sin dejar residuos. Para cubrir los tejados, árboles y superficies, se usan mantas blancas de fibra, como las que se usan en los productos de higiene, y se usan polvos de almidón o sal para simular la escarcha. En algunos casos, se usa nieve artificial real, como la que se usa en las estaciones de esquí, fabricada con cañones de nieve que pulverizan agua a presión en aire frío.

Además, cada vez más, la nieve se añade o se mejora con efectos digitales por ordenador en la posproducción, sobre todo para la nieve que cae en el aire, la nieve de fondo o las grandes nevadas, porque es más fácil controlar su cantidad y su dirección. Pero muchos cineastas prefieren combinar efectos prácticos y digitales, porque los actores reaccionan mejor a una nieve real que pueden ver y tocar.

En algunas películas famosas se han usado soluciones curiosas. En El resplandor (1980), de Stanley Kubrick, para la famosa escena final en el laberinto nevado, se usaron unas 900 toneladas de sal y poliestireno triturado, según las fuentes más citadas. En la serie Juego de tronos, para las escenas del norte, como el Muro o más allá del Muro, se usaron grandes cantidades de nieve artificial de papel en los estudios de Belfast, además de rodar en lugares nevados reales como Islandia. En Frozen (2013), de Disney, una película de animación, los científicos y animadores desarrollaron un nuevo programa, llamado Matterhorn, basado en la física, para simular de forma realista cómo se mueve y se comporta la nieve, que después se usó en investigación científica.

Los efectos especiales prácticos, como la nieve falsa, las explosiones reales o los maquillajes, siguen siendo muy importantes en el cine, aunque la tecnología digital se haya generalizado. Los técnicos de efectos especiales buscan cada vez más materiales sostenibles, porque algunas nieves artificiales, como las de plástico o poliestireno, pueden contaminar el medio ambiente si se usan en exteriores y no se recogen bien.

Por qué importa. La nieve de los rodajes suele ser papel, espuma o celulosa, y su historia muestra cómo el cine ha ido buscando soluciones más seguras y sostenibles para crear sus ilusiones.

Resumen de los 10 datos

1. La nieve de muchos rodajes es papel o almidón.
2. La saga “Harry Potter” usó miles de varitas.
3. El logo de Pixar es una lámpara.
4. El personaje de Gollum se hizo con captura de movimiento.
5. El traje de Darth Vader tenía un actor y otra voz.
6. “Parásitos” fue la primera película no inglesa en ganar el Óscar a mejor película.
7. El primer Óscar se entregó en 1929.
8. En “Psicosis” la sangre era chocolate.
9. El sonido del T-Rex mezcla varios animales.
10. La mayoría de efectos de “Jurassic Park” eran animatrónicos.

¿Viste este carrusel en TikTok? Es el Dato #037. Cuéntanos en los comentarios cuál te sorprendió más.